L’uomo che procede lento parla da un passato lontano, dimenticato, inattivo, forse inadatto.
 Risponde al bisogno di risposta dell’artista.
 Di risposta all’oggi, questo nostro oggi violentato dall’assenza di interiorità, di bene, di sentimento, di volontà e capacità di gettare le mille maschere.
.. credimi... grida... ascoltami... dai più luce alla speranza. L'atto pittorico di Amelia Salladini si fonde con questa voce lontana.
 Dalla fine degli anni ottanta la “poetica dell’uomo puro” è il presupposto di tutta la sua estetica. 
I pagliacci di “UNA FOTO” del 1989 lavano via il trucco sbiadito dal viso, appaiono al loro posto individui di colore denso, piangenti e ridenti essenze lontane, contorte nel sentimento immaturo e in una capacità raffigurativa che per tentativi cerca la strada seguendo solo quel grido di pancia inespresso.
Dieci anni dopo inizia la definizione del cammino, l’emozione si ordina nel codice comunicativo della frammentazione e della decomposizione cromatica. La necessità di osservare, di decodificare ed elaborare i sentieri della primitività e il vissuto attuale. Amelia non inventa, Amelia osserva e scompone la luce di ciò che vede.
Analisi dell’attuale.
 Faticoso antagonismo all’isterismo contemporaneo.
 La speranza è nella luce: questa luce divisa geometricamente per rendere ordinato un presente a volte sfuggente ed incomprensibile. Rigore, pazienza, c’è un senso da recuperare! 
Il senso del passato delle menti semplici.
Dal 2001 il perfezionamento. Amelia raggiunge l’apice consolatorio dello splendore cromatico, concedendo alle sue tele una potente illuminazione. La luce. 
La consapevolezza di una naturalità lontana, dimentica e dimenticata. 
Ma oggi è solamente l’ora del dolore.
 L’illuminata speranza scava nel colore di Amelia. Tutto questo ci porta con la memoria a ricordare il primitivismo di Gauguin.
 Le tracce si scorgono anche nella stesura del colore, “sintetizzato”, puro, piatto e squillante. 
La divisione geometrica e la distruzione della prospettiva di alcuni lavori ricordano il cubismo di Georges Braque.

Dopo un colloquio con la Salladini, accompagnato da un book-dossier, mi hanno colpito i suoi contenuti informativi di quel "fragile" materiale cartaceo e percepire la premura con cui l'artista crea un ripescaggio nella rivalutazione della natura come momento Panteistico. La natura è intesa come creazione e come condizione di esistenza che si identifica con Dio stesso (NATURA NATURANS).
Basta osservare il dipindo "L'abbraccio “ per evidenziare in modo inconfutabile la volontà dell'artista di entrare nel "Panthos cosmico" dove il plasma confluisce o invade la natura e nel contempo luce-colore, elementi organici e inorganici respirano lo stesso momento vitale. Nell'opera "Azioni temporali”, i colori delimitano le forme. Qui vi è uno scomporre lo spazio che diviene bidimensionale, evitando la prospettiva e generando una metamorfosi del paesaggio in continua evoluzione, una visione positiva nonostante vi siano dei tagli cromatici. Un percorso che s'interrompe nella campitura, “ Il cammino del bambino", dove la pittrice struttura un paesaggio e un innesto di figure stilizzate che simboleggiano il vissuto fino ad arrivare ad uno spaccato con la testa di leone; un'azione che risulta aver cessato o fluire tra elementi organici e inorganici, dove s'intravede un dinamismo della pittrice verso le possibilità future. Amelia Salladini non è immune da aridità concettuale e ne esce conservando la memoria del passato a far scorrere le immagini come fossero dei fotogrammi del vissuto. La sua è una pittura "segnica" generata da forme proposte come un puzzle e dai significati traslati metaforici. In “L'Alieno" riaffiora una natura che si "ribella", che vince perché l'individuo non l'ha rispettata, depauperandola, si direbbe una punizione, dove l'essere umano non merita assolutamente nulla.
Nel continuo dell'analisi dell'opera si può leggere m primo piano l'alieno che trova dinanzi solo gli elementi naturalistici, infatti, parte della campitura è occupata dalla grande montagna verde. E così nel dipinto "Futuro" l'emozione della pittrice ci viene trasmessa tramite un mare che inonda I palazzi, ancora una volta la natura che sovrasta tutto e penalizza l'individuo come unico artefice della rovina del pianeta. Le opere presenti alla sala conferenze della Libreria Rinascita di Ascoli Piceno sono raccolte sotto il tema "Il panteismo cromatico visto da un caleidoscopio" proprio perché analizzando la continuità e lo svolgimento dell'iter pittorico si tende a stabilire un percorso simbiotico fra l'artista e il suo mondo inconscio.

L’esposizione personale di Amelia Salladini è dedicata all’espressione cromatica da intendersi non soltanto come mera ricerca estetica dei percorsi di luce, ma anche un estremo elogio del colore, quale elemento emozionale ed emozionante. Una geometria di tonalità ridenti si propaga nell’indagine pittorica di Amelia Salladini nella metafora di una commemorazione dell’umanità contesa tra storia e presente.
Mediante una poetica neocubista rivisitata dal suo sguardo interiore, l’autrice mostra tutta la sua abilità tecnico-esecutiva nella scomposizione formale dell’immagine, nella scissione della luce nonché nelle frammentazioni cromatiche. Figure decomposte, soggetti umani o mitologici in dissolvenza sono alcuni dei contenuti pittorici dell’artista marchigiana che appare particolarmente attenta all’analisi luministica e all’astrazione della realtà. E’ il canto della luce che riverbera nella produzione di Salladini, brani di luce sopiti nel silenzio delle forme. Lo spessore della comunicazione visiva si raccoglie attorno alle significazioni del frammento tra le vestigia del passato e il valore mnemonico del presente, con una spiccata attenzione al concetto dell’infinito.